viernes, 10 de marzo de 2017

Galeno.La salud del alma y el cuerpo.


  Estos días he tenido el placer de leer el libro  " Sobre la conservación de la salud"  del médico más grande de la historia y precursor de la medicina moderna : Galeno.
  Un placer porque  de una parte,  la obra en sí  suscita un gran interés por su modernidad y por plasmar  ( ya  en el siglo II d. C. ) la vinculación entre cuerpo y alma, y de otra,  porque la  magnífica traducción del griego  es de  mi antigua alumna de violonchelo y profesora de Filología Griega de la Universidad de Cádiz , Inmaculada Rodriguez Moreno.
  Os dejo la reseña de la obra que ha escrito la propia  autora de la traducción y os animo a disfrutar con su lectura.


Galeno, Sobre la conservación de la salud, Introducción, Traducción, Notas e Índices de Inmaculada Rodríguez Moreno, Ediciones Clásicas, Madrid, 2016.

Claudio Galeno (Pérgamo 129 d. C., Roma ca. 200 o 216 d. C.), considerado como el principal heredero de la tradición hipocrática, supo convertir el arte de la medicina en su pasión y forma de vida. Para él, la higiene constituye una parte fundamental para alcanzar un estado de plena salud, como así hace ver en Sobre la conservación de la salud (De sanitate tuenda), tratado en seis libros publicados entre el 169 y los años previos a su muerte (entre el 210 y el 216).
Este imprescindible manual de higiene describe las reglas más significativas de todo régimen saludable y está dirigido especialmente a los griegos en general y a la élite en particular. Todos ellos se alzan, dentro del mundo civilizado, como modelos de una salud excelente frente a los bárbaros (pág. 71):
“Pero ahora no escribo este libro para los germanos ni para otros pueblos incivilizados o bárbaros, ni para osos, jabalíes, leones ni ninguno de los demás animales salvajes, sino para griegos y cuantos han nacido entre bárbaros, pero emulan las costumbres de los griegos”.
Galeno demuestra que la salud del cuerpo estaba vinculada la del alma, de manera que cualquier alteración corporal influye en la mente, y viceversa (pág. 63):
“El hábito del alma se corrompe por malas costumbres en la comida, bebida, ejercicios, espectáculos, audiciones y música en general. La persona dedicada al arte de la salud debe ser experta en todos estos temas y no pensar que solo concierne al filósofo moldear el hábito del alma, pues de aquél depende la salud de la misma alma, entre otros aspectos más, y del médico, que el cuerpo no caiga fácilmente en enfermedades”.
Para eludir las enfermedades y las disfunciones en todas las etapas de la vida, Galeno propone, siguiendo la estela del gran médico Hipócrates, una instrucción y orientación dietéticas precisas -donde la moderación resulta trascendental-, desde el nacimiento hasta la vejez. Por este motivo, el pergameno traza en el presente escrito todo un plan ideológico a través de la dietética, en la que participan el sueño, vigilia, reposo, movimiento, masajes, comida, bebida, hambre, sed, baños, irritaciones, preocupaciones, dolores y todo cuanto agite el modo de vida.
El libro I ilustra los cuidados básicos desde la infancia hasta los veintiún años, edad en la que el joven alcanza el pleno desarrollo. En esta fase, la educación dietética es esencial para compaginar la salud corporal con la psíquica. Así pues, Galeno ofrece una serie de consejos muy interesantes y útiles, relacionados con la alimentación, los masajes, los baños y los ejercicios.
En el libro II, el objeto de estudio va a ser el régimen higiénico de un joven de veintiún años. Para ello, es primordial tener en cuenta su ocupación y situación personal. Dos son los aspectos cruciales del régimen del joven: el ejercicio y el masaje.
El ejercicio no guarda ninguna diferencia con el trabajo, salvo por recibir el calificativo de “gimnástico” -a raíz del lugar donde se practica- e ir acompañado de masajes y deportes. En todo caso, se podría establecer una distinción entre ambos en cuanto que, en el ejercicio, el cuerpo debe ser previamente calentado mediante un masaje preparatorio, consistente en friegas suaves con una venda y unciones de aceite.
El libro III continúa con la importancia de los masajes y cómo deben ser aplicados para obtener los resultados esperados (págs. 160-161). También los baños contribuyen a la vida saludable, en sus cuatro modalidades: calientes de aguas dulces y templadas; tibios; más calientes, y de agua fría. Con todos ellos se consigue prevenir y aliviar las fatigas que se producen tras la práctica de los ejercicios.
El libro IV está dedicado a la alimentación y su repercusión en la salud. El médico de Pérgamo sugiere algunas recetas de reconstituyentes, como el caldo de tisana (págs. 226-227), en especial el elaborado con harina por sus propiedades depurativas y su poder refrescante, hidratante y aséptico.
Igualmente son recomendables, entre otros muy beneficiosos (págs. 227-236), el aguamiel, también conocido como hidromiel o aqua mulsa en Roma; el ojimiel u oximiel (págs. 237-239); el fármaco de calamento, con miel o sin ella; el de las tres pimientas (la negra, la larga y la blanca), y el zumo de manzana cidonia o membrillo.
Uno de los más efectivos es el fármaco de Dióspolis o Diaspolitikón, administrado antes o después de las comidas, cuyos ingredientes son comino, pimienta, ruda y bicarbonato sódico, todo en la misma cantidad (págs. 231-232). Su preparación debe ser rigurosa:
Hay que macerar el comino con vinagre muy ácido y luego triturarlo al instante, o primero tostarlo de forma moderada en un recipiente de arcilla que haya sido cocido completamente en un horno. Pues un recipiente que no se haya secado lo suficiente, suelta más polvo que el de arcilla y absorbe cierta cantidad de la propiedad de los fármacos”.
El libro V abarca la gerontología o cuidado de la dieta del anciano. Galeno, en un extenso apartado, precisa cómo ha de ser el estilo de vida del anciano, cuya condición es fría y seca, razón por la que ha de ser corregida, según la máxima hipocrática, por agentes contrarios. De esta forma, la frialdad será combatida con el calor, y este no debe ser excitado con ejercicios demasiado fuertes, sino con paseos, movimientos y masajes que actúen de igual modo que aquellos, de acuerdo con la fuerza física del individuo, no con su edad.
Los alimentos, por su parte, juegan un papel decisivo dentro de la dieta del anciano, así como ciertos fármacos: el de calamento, el de las tres pimientas, el de víboras o teríaca, y otros con hierbas aromáticas como la ambrosía y la atanasia.
El almuerzo del anciano, según Galeno (págs 280-281), debe incluir pescados de roca y mar, cereal o pan con miel, y la cena, espelta con vinomiel o ave con una salsa sencilla. El pan no queda excluido, siempre y cuando no lleve demasiada sal y levadura y esté poco cocido.
El vino es muy aconsejable por su poder calorífico. Galeno expone un detallado catálogo de vinos (págs 283-287). Los más beneficiosos por sus cualidades depurativas y caloríferas, habida cuenta de la frialdad de la vejez, son los ocres, blancos y ligeros. Por el contrario, los más perjudiciales son los oscuros, astringentes y espesos, puesto que causan retención. La eficacia de los vinos se potenciará cuando es acompañado de una dieta libre de grasa (pág. 287):
“Por ello, en las comidas los ancianos no deben abusar de los granos, quesos, huevos, moluscos, lentejas, bulbos, carne de cerdo, y, mucho menos, de las anguilas, las ostras, y, sobre todo, de aquellos animales que tienen una carne dura y difícil de digerir. Por este motivo, no deben comer crustáceos, pescados cartilaginosos, atunes ni cetáceos, ni los que mugen nacidos en la tierra, ni las carnes de venados, cabra ni buey […] La de chivo es apropiada para el anciano, así como la de las aves que no viven en pantanos, ríos ni lagos. Todos los alimentos en conserva son mejores que los frescos”.
Respecto a los ejercicios, primero se debe realizar un análisis personal y exhaustivo del anciano, pues no todos son válidos para cualquiera, sino que van en función de la constitución corporal y la capacidad física. Sus actividades deben ser las habituales, pero siempre desarrolladas con menor intensidad.
En el libro VI, tras dejar clara la importancia de un estudio minucioso de cada individuo y de la dieta que mejor se adapte tanto a su estilo de vida como a su condición corporal, Galeno se entrega a la discusión de cómo las constituciones patológicas pueden mantenerse sanas el mayor tiempo posible, aplicando algunos de los procedimientos higiénicos anteriormente desarrollados. Para ello, es muy necesario tener en cuenta la actividad u ocupación de aquel, aspecto que determina la dieta en todas sus facetas: masajes, baños, ejercicios, comidas, bebidas y fármacos, además de la estación y las discrasias presentes en su organismo, las cuales encuentran su remedio en los opuestos en su justa medida.
De estas constituciones anómalas, Galeno especifica cuáles son las más graves y ofrece una clasificación de las mismas con su dieta más adecuada para aliviar sus síntomas. Al mismo tiempo, aprovecha esta ocasión para revelarse como un todo un experto en dietética y farmacología.
En definitiva, Galeno presupone que la salud se basa en la total ausencia de dolor y en el funcionamiento y el cumplimiento perfectos de las funciones vitales por parte del organismo. Con esta idea, su tratado Sobre la conservación de la salud aporta todo un programa dietético que garantiza el máximo tiempo posible una vida saludable, la cual encuentra su paralelo también en el plano psíquico. Tal es el mensaje que pretende transmitir Galeno a la posteridad con sus teorías dietéticas, cuya pervivencia se ha mantenido a lo largo de los siglos gracias a los textos divulgados y traducidos por los árabes desde la Edad Media.

Inmaculada Rodríguez Moreno
Profesora Titular de Filología Griega de la Universidad de Cádiz
Violonchelista y Musicóloga.


Instrumental médico.  Museo Arqueológico de Linares.

Sobre la Pica.

En el blog de Trino Zurita podemos leer una entrada  muy interesante sobre la introducción de la pica y las formas de tomar el chelo.

La incorporación de la pica al violonchelo, ¿el capricho de un gordo?




viernes, 24 de febrero de 2017

5 cosas que necesitas para tener exito como músico





Artículo publicado en  The Strad La profesora de violín de la Universidad Northwestern, Helen Callus, describe la combinación de habilidades necesarias para tener éxito como músico, siendo el talento uno solo en una mezcla de habilidades
Tener éxito en cualquier cosa requiere una combinación de destrezas y habilidades, algunas de las cuales no son tan evidentes como podríamos pensar y otras no tan importantes como podríamos esperar.Obviamente sin talento musical nada es posible. Sin embargo, a lo largo de los años he notado que incluso aquellos con el mayor talento a menudo son superados por aquellos con una combinación más amplia de habilidades. Hay una mezcla de habilidades que parece prestarse al éxito y el talento musical es sólo una parte de esa ecuación.

TALENTONo hay duda de que ser naturalmente musical lleva  a un largo camino para la creación de un músico exitoso. Hay algunos que nacen con la capacidad de ser musical, tienen un sonido agradable, ideas interesantes y tocan con sensibilidad. Pero, por desgracia, el talento por sí solo no es suficiente para impulsar a alguien  al éxito. De alguna manera, el talento puede ser el componente más pequeño de un conjunto más amplio de habilidades, siempre y cuando las otras habilidades estén en abundancia.
TOLERANCIA AL  FALLO.  Hay una gran parte del viaje para convertirse en un músico que requiere la comprensión de que el fracaso va a desempeñar un papel importante en su desarrollo. El fracaso da  información y cómo reaccionas a estas experiencias puede ser la clave de tu éxito. Los estudiantes, así como los profesionales pueden sufrir una tremenda ansiedad de ser incapaces de recuperarse de los fracasos. 
  El inventor y empresario Mir Imran dijo que "El fracaso es un compañero constante, y el éxito de un visitante ocasional". El fracaso y el éxito van de la mano.
DISCIPLINAHay muchas veces en la vida de un músico cuando no podemos afrontarntar otra hora en la sala de estudio. Desarrollar el hábito de practicar sin importar cómo se siente, física o emocionalmente, le ayudará en la vida profesional. Crear  un horario diario de cuando de practica y apegarse a él y luego crear un calendario  para cada hora  puede mantenerlo motivado, enfocado y eficiente. Mantener un cuaderno cerca para anotar un pensamiento que podría tener sobre algo en la música o qué marca de metrónomo alcanzó en un pasaje  colabora a ser disciplinado en todo lo que haces.
SOLUCIÓN DE PROBLEMASLa recopilación de información es parte de lo que nos hace creativos como artistas, pero también nos permite abordar temas técnicos realmente difíciles en nuestro interpretación. Un estudiante pasa aproximadamente el cinco por ciento de cada semana con su maestro, así  que una gran parte del aprendizaje y el progreso se hace a través de la experimentación hasta encontrar patrones o soluciones que funcionan. No sentirse abrumado por los problemas sino disfrutar de la idea de romper los problemas en elementos o mecanicas más pequeñas  permite que todos progresen. Pero tienes que tener la confianza para hacerlo por tu cuenta. El maestro le guía por el camino correcto y le dará ejemplos de cómo proceder, pero al final, usted hace el trabajo.
HABILIDADES SOCIALESHay muchas veces en nuestra profesión que implican estar alrededor de otras personas. La mayoría de los individuos terminarán probablemente en una orquesta, tocando música de cámara o  enseñando y  tenemos que aprender las habilidades que nos permiten trabajar con  gente con  la que  podemos  no estar de acuerdo . También necesitamos habilidades que nos permitan comunicarnos con un pianista o colega sobre algo que queremos probar en la música. Las habilidades sociales no se limitan a la etiqueta del ensayo sino  que también abarcan cómo nos llevamos profesionalmente.  Contestando llamadas telefónicas o correos electrónicos, cómo se comporta usted en asuntos administrativos relacionados con su carrera - son todos los elementos que pueden influir en si usted es contratado o invitado a tocar por segunda vez.

domingo, 11 de diciembre de 2016

Heinrich Schiff en The Strad

Este artículo fue publicado por primera vez en The Strad en diciembre de 2004.





Escalas y ejercicios son esenciales para los músicos de arco.

No todos los instrumentistas consideran los ejercicios como importantes; De hecho, muchos artistas piensan que los estudios son basura y que uno puede aprender la técnica a través de piezas. Yo digo que sí, si entiendes lo que tienes que hacer. Un estudio es como una serie de pequeñas estructuras limitadas y debe ser tocado con un control completo sin las distracciones emocionales de su concierto. Si aplica ese comportamiento a su solo y encuentra el patrón que necesita para trabajar, puede practicar el pasaje con la misma sensibilidad que un estudio. En este punto, todos los enemigos de este enfoque dirán: "¡Ahora el concierto sonará como un estudio!", Tienen razón. Cualquier persona puede describir qué hacer, pero se necesita conocimiento de los conceptos básicos para abordar el problema. Es por eso que trabajo en estudios.

Considere otros músicos. Todos los cantantes ciertamente comienzan el día con ejercicios vocales básicos: arpegios, escalas, ejercicios de tono y entonación. Ellos practican su rutina en cada clave, asegurándose de que sus voces están debidamente apoyadas. Los musicos de viento tocan notas largas para la resistencia y el control de la respiración. Los interpretes de cuerda no hacen lo suficiente - especialmente los jóvenes, que deberian estar tratando de encontrar su propia voz. Sugiero empezar en las cuerdas abiertas con o sin vibrato. Yo me concentro en los aspectos físicos al tocar. Me pregunto : ¿Está mi cuerpo cómodo? ¿Puedo controlar el arco en velocidades rápidas y lentas? ¿Cómo debo variar mi vibrato? Mantengo la nota llana y luego agrego el vibrato como un simple ejercicio físico. Si suena "seco", no lo hago. Incluso cuando el gesto se desprende del acto artístico, debes amar la nota, sentirte relajado, disfrutar de tu instrumento y ser adicto al sonido que produzcas para poder siempre encontrar un hogar; De lo contrario, cuando la música hace exigencias cada vez más difíciles, podrías perder el control. Cuanto más consciente soy de mi enfoque físico, más fáciles son las cuestiones artísticas.

Una táctica que uso a menudo en clases magistrales es pedirle al estudiante que toque algo silencioso y pequeño, como una simple fila de notas a un ritmo moderado. A continuación, aumentamos la dinámica a mezzoforte o forte, tocando lleno, pero no demasiado fuerte. Tal vez escogemos algunas notas del concierto, quizás con un portamento (slide?) porque nos pone nerviosos.

A veces pido un ejercicio Ševčík o Feuillard - estamos buscando algo sencillo para volver a lo básico.

Los fundamentos incluyen la postura. Cuando se sienta en el instrumento el torso debe inclinarse hacia el violoncelo. Usted debe encontrar una posición en la que puede sentarse durante muchas horas. Controlo mi cuello, evitando empujar o presionar hacia el violonchelo, lo que provoca tensión. Si estoy relajado de las caderas, mi torso puede ayudar a mis brazos a producir el peso. La tensión en las caderas reduce la potencia. Del mismo modo, el levantamiento de los hombros (un error que todos cometemos) interrumpe el flujo de energía en los dedos creando estrés. Esto se aplica a ambos brazos.

En cuanto al poder - y los violoncelistas necesitan mucho - uno puede tener suerte o uno debe entrenar para la resistencia. Producir sonido a partir de la fuerza es incorrecto. Debes ser fuerte, pero usar el peso corporal y la gravedad. Además, tendríamos que desarrollar más músculos que los necesarios para tener fuerza de reserva, ya que deberíamos ser capaces de tocar tres conciertos en la sala de práctica con el fin de realizar uno. De la misma manera, tengo que dominar pasajes que son más difíciles que las obras que toco en escena. Así, vuelvo a los estudios para hacer el Concierto Dvořák más fácil. Usted tiene que ser más apto de lo requerido y usted tiene que tener más habilidad de la necesaria.

Desarrollar los ingredientes artísticos y controlar las emociones son difíciles. Tenemos interpretes que están bien educados pero carecen de imaginación. La musicalidad es, por supuesto, tan importante para prepararse como el aspecto de la mecanica. En general, encuentro que la información artística sobre compositores tiene que ver con la práctica interpretativa. ¿Cómo sonaban las sonatas de violín de Beethoven? Hay mucha información disponible y creo que es importante encontrar esa información, pero se necesita tiempo y energía.

Emocionalmente, sin embargo, creo que el violonchelista tiene que tratar de desarrollar colores y atmósferas con la presión y la velocidad del arco, el vibrato y el cambio de posición expresivo, y encontrar un repertorio de posibilidades que se llaman personales, pero están conectados al instrumento. Con el fin de enriquecer la paleta de la experiencia humana a mi disposición, voy al teatro, a las exposiciones, a la ópera y al ballet, así como a la cultura no musical. Leo. Aprendo lo más posible acerca de la psicología, por ejemplo, para nutrirme a mí mismo como persona y llegar a ser más experto. György Ligeti habla de encontrar inspiración de los científicos; Su investigación lo hace capaz de ser creativo como compositor. Me parece que escuchar discos no es suficiente para que puedas convertirte en un artista interesante. Es fascinante, sí, y no se debe perder. Pero involucre su mente más ampliamente. Haga preguntas que le harán una persona más rica.

Como resultado final, adapto mi capacidad de aplicar los estudios que practiqué al Concierto Elgar. En la actuación repito mis ejercicios de relajación y sutileza. Reúno los elementos de vibrato y control de arco con los de expresión y, espero, aplicarlos en Elgar. Estas son las reglas que yo sigo: ¡Toque escalas hasta el final de tu vida! Practique despacio. No toque fuerte y rápido. Controle su cuerpo. Piense como un cantante y sienta la respiración desde tu estómago. Y finalmente, sea paciente y no se dé por vencido.

jueves, 1 de diciembre de 2016

Francesco Supriani

Lecciones de un violonchelo

El violonchelista madrileño Guillermo Turina rescata obras para su instrumento además de cantatas y otras piezas escritas por el compositor napolitano Francesco Supriani.



viernes, 4 de noviembre de 2016

Asier Polo. Conferencia inaugural de los Cursos de Verano 2016.

Conferencia inaugural de  Asier Polo  en los Cursos de Verano 2016 de la Escuela Internacional de Música de la Fundación Princesa de Asturias.


miércoles, 15 de junio de 2016

EL PRIMER LIBRO SOBRE LOS HERMANOS DUPORT PUBLICADO EN ESPAÑA.

https://www.codalario.com/la-musica-en-torno-a-los-hermanos-duport/noticias/publican-el-primer-libro-sobre-los-hermanos-duport-en-espana_4166_3_11907_0_1_in.html
Editorial Arpegio.

 
"Hace exactamente 200 años que Jean Louis Duport abandonó el Conservatorio de París en el que había enseñado 4 años, de 1812 a 1816.

Al margen de sus años anteriores de enseñanza en Berlín, de su carrera de virtuoso y de su reflexión pedagógica a través de la elaboración de su Tratado de Violonchelo, aparecido en 1806, es muy probable que este Maestro, precursor de la escuela moderna del violonchelo, haya dejado honda huella en algunos de los discípulos que tuvieron la fortuna de asistir a sus clases.

Con ocasión de este bicentenario, me congratulo especialmente por la aparición de esta obra, que nos ayuda a comprender la importancia de los hermanos Duport, en el paisaje musical cambiante de esos años revolucio-narios, su relación con los más grandes compositores de la época clásica y sus años de exilio junto a un Rey de Prusia tan apasionado por el violonchelo como lo había sido Federico el Grande por la flauta".

Chirstophe Coin

Febrero,2016

martes, 12 de abril de 2016

Aniversario del nacimiento de GINASTERA.

 Alberto Evaristo Ginastera (Barracas, Buenos Aires, 11 de abril de 1916 – Ginebra, 25 de junio de 1983)  compositor argentino.



domingo, 24 de enero de 2016

Sobre la Interpretación Barroca en "The Strad".



 Un arco barroco te dice cómo tocar, ya que esta música fue escrita para uno así. Si trato de tocar Bach con un arco moderno ahora, es muy difícil - casi intocable. Mi consejo para los estudiantes ahora es tratar de tocar con un arco barroco y aprender de él - y también se debe escuchar con la mente abierta a los buenos músicos y grupos de instrumentos de época y cómo tocan esta música. Viktoria Mullova, The Strad, julio 2013.

Geminiani consideraba el vibrato  como un adorno. Lo asociaba con  la interpretación afectiva, que puede expresar  majestad y dignidad, tanto como la aflicción y el miedo. Su recomendación de utilizar el vibrato 'tan frecuentemente como sea posible',  ya que puede hacer los sonidos de notas cortas "más agradable", al contrario  del  uso moderado defendido por sus contemporáneos y ha sido interpretado por muchos como  dar carta blanca para la adopción de un vibrato continuo "moderno". Robin Stowell, The Strad, septiembre 2012.

Hay a menudo un malentendido en la música barroca que se debe tocar sin vibrato. Pero eso es sólo la mitad de la verdad. Leopold Mozart escribe que el vibrato es como un tremolo, y lo compara con una campana de iglesia - si se golpea una campana, hay un sonido claro al principio, y luego poco después usted tiene una oscilación, un timbre, que es básicamente una especie de vibrato. Él dice que usted debería  tratar de traducir este efecto natural a su instrumento. Claudio Bohórquez, The Strad, julio 2013

La quintaesencia de estilo barroco es la jerarquía, con algunas notas tomando más importancia según ciertas reglas - por ejemplo, primer pulso mas fuerte que la resolución, con notas agrupadas y clasificadas como sílabas en una palabra. La regla omnipotente del arco abajo refleja la importancia de la jerarquía, la organización de los tiempos fuertes tocados arco abajo, supone que el arco arriba es  más débil. La  codiciada ecualización  de los arcos abajo y arriba  que se desarrolló  más tarde es inadecuada cuando se organizan arcadas  y articulación barrocas, independientemente de que  arco se está utilizando. Pauline Nobes, The Strad, septiembre de 2003.

Creo que es una verdadera lástima que tantos músicos de todo el mundo se ponen por delante, y de hecho se interponen entre el compositor y el público. A menudo siento que la música sufre, que el compositor es relegado a  las sombras por el glamour de la actuación. Irónicamente, creo que hay un número creciente de artistas de música antigua que tienen esa misma actitud, y me arrepiento de eso. Sigiswald Kuijken, The Strad, junio de 2011.

Bach crea una fusión artística de la danza y la música. La intención del compositor debe haber sido  crear la ilusión de la danza a través de la música. Si un violonchelista hoy aspira a crear un espectáculo de danza imaginario en la mente del oyente,  también tendrá que dar  a los ritmos de Bach , inflexiones sutiles para crear la sensación de movimiento y el impulso de un baile. Estas inflexiones tienen que ser delicadamente matizadas, para evocar la imagen de la danza sin distorsiones obvias. Tienen que ser tan sutil como para ser casi imperceptible, de la misma manera que los músicos vieneses acompañan un vals: las inflexiones son apenas perceptibles, pero bellamente evocan ese baile en la imaginación del oyente. Ulrich Heinen, The Strad, August 2011

Trata de reflejar la calidad de la armonía en el sonido. Si es más disonante y dramático, el arco debe ir donde el sonido es más intenso - más cerca del puente y más profundo en la cuerda. Cuando es una armonía ligera, debe ser más ligero, con más longitud y menos presión. Jean-Guihen Queyras, The Strad, junio 2012.

Hay una enorme diferencia entre, por ejemplo, las líneas de bajo maravillosamente imaginativas de JS Bach y la más apagada de otros compositores, pero la línea de bajo de cualquier pieza tiene el potencial de influir en gran medida de la energía de todo el conjunto. Lo más importante en este sentido es la articulación. El uso de un corto, golpe de arco arco  ayuda a aclarar la textura de la música barroca y la lleva a la vida, poniendo de relieve sus cualidades similares al baile . Daniel Yeadon, The Strad, junio de 2000 .

ARTÍCULO ORIGINAL EN INGLÉS.

Revista The Strad : Para instrumentistas de arco,profesores, estudiantes , constructores.

martes, 12 de enero de 2016

Jan Krtitel Vañhal.

Todo estudiante de piano en la República Checa conoce a Jan Křtitel Vañhal, gracias a sus métodos para este instrumento, aunque Vañhal fue también un excelente intérprete de piano y órgano y, en especial, un reconocido compositor.
A finales del siglo XVIII desarrolló su actividad musical en Viena, capital del Imperio Austro-Húngaro, del que entonces el Reino Checo formó parte.
Vañhal nació en 1739 en la localidad de Nechanice nad Bystřicí, en Bohemia Oriental. Desde su infancia se dedicó al estudio de la música, concretamente del órgano, piano y violín, bajo la dirección de un maestro del pueblo. A sus 18 años de edad, Jan Křtitel Vañhal ya tenía fama en la zona de ser un muy buen músico, y era invitado a tocar, especialmente el órgano, durante diversas actividades.
A partir de 1757 el músico trabajó de organista de la iglesia de la localidad de Opočno y en 1759 aceptó el cargo de director del coro en el pueblo de Hněvčeves. Su forma de tocar el órgano y el violín impresionó de tal manera a la señora del feudo de Nechanice, la condesa Schaffgotsch, que alrededor de 1761 decidió llevar al músico consigo a Viena. Vañhal tenía entonces 20 años de edad. En la capital del imperio, además de tocar varios instrumentos y enseñar música, Vañhal continuó sus estudios, dedicándose a la composición.
 En 1769 uno de los benefactores de Vañhal, el barón Riesch, le pagó un viaje a Italia y el músico vivió un año en Venecia y visitó también Boloña, Florencia, Roma y otras ciudades del país. 

Fue muy amigo de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Karl Ditters von Dittersdorf.

Vañhal nunca contrajo matrimonio ni tuvo hijos y su vida la consagró plenamente a la música. Falleció en 1813 en Viena, dejando un extenso legado musical. Éste incluye obras religiosas, como motetes, letanías y unas 20 misas, así como composiciones profanas, entre ellas más de 100 sinfonías y una semejante cantidad de cuartetos de cuerda, serenatas y bailes, cuartetos y quintetos de cámara para instrumentos de cuerda y composiciones para instrumentos de tecla.