5 cosas que necesitas para tener exito como músico

Artículo publicado en  The Strad . La profesora de violín de la Universidad Northwestern, Helen Callus, describe la combinación de habilidades necesarias para tener éxito como músico, siendo el talento uno solo en una mezcla de habilidades
Tener éxito en cualquier cosa requiere una combinación de destrezas y habilidades, algunas de las cuales no son tan evidentes como podríamos pensar y otras no tan importantes como podríamos esperar.Obviamente sin talento musical nada es posible. Sin embargo, a lo largo de los años he notado que incluso aquellos con el mayor talento a menudo son superados por aquellos con una combinación más amplia de habilidades. Hay una mezcla de habilidades que parece prestarse al éxito y el talento musical es sólo una parte de esa ecuación.
TALENTO. No hay duda de que ser naturalmente musical lleva  a un largo camino para la creación de un músico exitoso. Hay algunos que nacen con la capacidad de ser musical, tienen un sonido agradable, ideas interesantes y tocan con sensibilidad. Pero, por desgracia, el talento por sí solo no es suficiente para impulsar a alguien  al éxito. De alguna manera, el talento puede ser el componente más pequeño de un conjunto más amplio de habilidades, siempre y cuando las otras habilidades estén en abundancia.
TOLERANCIA AL  FALLO.  Hay una gran parte del viaje para convertirse en un músico que requiere la comprensión de que el fracaso va a desempeñar un papel importante en su desarrollo. El fracaso da  información y cómo reaccionas a estas experiencias puede ser la clave de tu éxito. Los estudiantes, así como los profesionales pueden sufrir una tremenda ansiedad de ser incapaces de recuperarse de los fracasos. 
  El inventor y empresario Mir Imran dijo que "El fracaso es un compañero constante, y el éxito de un visitante ocasional". El fracaso y el éxito van de la mano.
DISCIPLINA. Hay muchas veces en la vida de un músico cuando no podemos afrontarntar otra hora en la sala de estudio. Desarrollar el hábito de practicar sin importar cómo se siente, física o emocionalmente, le ayudará en la vida profesional. Crear  un horario diario de cuando de practica y apegarse a él y luego crear un calendario  para cada hora  puede mantenerlo motivado, enfocado y eficiente. Mantener un cuaderno cerca para anotar un pensamiento que podría tener sobre algo en la música o qué marca de metrónomo alcanzó en un pasaje  colabora a ser disciplinado en todo lo que haces.
SOLUCIÓN DE PROBLEMAS. La recopilación de información es parte de lo que nos hace creativos como artistas, pero también nos permite abordar temas técnicos realmente difíciles en nuestro interpretación. Un estudiante pasa aproximadamente el cinco por ciento de cada semana con su maestro, así  que una gran parte del aprendizaje y el progreso se hace a través de la experimentación hasta encontrar patrones o soluciones que funcionan. No sentirse abrumado por los problemas sino disfrutar de la idea de romper los problemas en elementos o mecanicas más pequeñas  permite que todos progresen. Pero tienes que tener la confianza para hacerlo por tu cuenta. El maestro le guía por el camino correcto y le dará ejemplos de cómo proceder, pero al final, usted hace el trabajo.
HABILIDADES SOCIALES. Hay muchas veces en nuestra profesión que implican estar alrededor de otras personas. La mayoría de los individuos terminarán probablemente en una orquesta, tocando música de cámara o  enseñando y  tenemos que aprender las habilidades que nos permiten trabajar con  gente con  la que  podemos  no estar de acuerdo . También necesitamos habilidades que nos permitan comunicarnos con un pianista o colega sobre algo que queremos probar en la música. Las habilidades sociales no se limitan a la etiqueta del ensayo sino  que también abarcan cómo nos llevamos profesionalmente.  Contestando llamadas telefónicas o correos electrónicos, cómo se comporta usted en asuntos administrativos relacionados con su carrera - son todos los elementos que pueden influir en si usted es contratado o invitado a tocar por segunda vez.

Heinrich Schiff en The Strad

Este artículo fue publicado por primera vez en The Strad en diciembre de 2004.

Escalas y ejercicios son esenciales para los músicos de arco.

No todos los instrumentistas consideran los ejercicios como importantes; De hecho, muchos artistas piensan que los estudios son basura y que uno puede aprender la técnica a través de piezas. Yo digo que sí, si entiendes lo que tienes que hacer. Un estudio es como una serie de pequeñas estructuras limitadas y debe ser tocado con un control completo sin las distracciones emocionales de su concierto. Si aplica ese comportamiento a su solo y encuentra el patrón que necesita para trabajar, puede practicar el pasaje con la misma sensibilidad que un estudio. En este punto, todos los enemigos de este enfoque dirán: "¡Ahora el concierto sonará como un estudio!", Tienen razón. Cualquier persona puede describir qué hacer, pero se necesita conocimiento de los conceptos básicos para abordar el problema. Es por eso que trabajo en estudios.

Considere otros músicos. Todos los cantantes ciertamente comienzan el día con ejercicios vocales básicos: arpegios, escalas, ejercicios de tono y entonación. Ellos practican su rutina en cada clave, asegurándose de que sus voces están debidamente apoyadas. Los musicos de viento tocan notas largas para la resistencia y el control de la respiración. Los interpretes de cuerda no hacen lo suficiente - especialmente los jóvenes, que deberian estar tratando de encontrar su propia voz. Sugiero empezar en las cuerdas abiertas con o sin vibrato. Yo me concentro en los aspectos físicos al tocar. Me pregunto : ¿Está mi cuerpo cómodo? ¿Puedo controlar el arco en velocidades rápidas y lentas? ¿Cómo debo variar mi vibrato? Mantengo la nota llana y luego agrego el vibrato como un simple ejercicio físico. Si suena "seco", no lo hago. Incluso cuando el gesto se desprende del acto artístico, debes amar la nota, sentirte relajado, disfrutar de tu instrumento y ser adicto al sonido que produzcas para poder siempre encontrar un hogar; De lo contrario, cuando la música hace exigencias cada vez más difíciles, podrías perder el control. Cuanto más consciente soy de mi enfoque físico, más fáciles son las cuestiones artísticas.

Una táctica que uso a menudo en clases magistrales es pedirle al estudiante que toque algo silencioso y pequeño, como una simple fila de notas a un ritmo moderado. A continuación, aumentamos la dinámica a mezzoforte o forte, tocando lleno, pero no demasiado fuerte. Tal vez escogemos algunas notas del concierto, quizás con un portamento (slide?) porque nos pone nerviosos.

A veces pido un ejercicio Ševčík o Feuillard - estamos buscando algo sencillo para volver a lo básico.

Los fundamentos incluyen la postura. Cuando se sienta en el instrumento el torso debe inclinarse hacia el violoncelo. Usted debe encontrar una posición en la que puede sentarse durante muchas horas. Controlo mi cuello, evitando empujar o presionar hacia el violonchelo, lo que provoca tensión. Si estoy relajado de las caderas, mi torso puede ayudar a mis brazos a producir el peso. La tensión en las caderas reduce la potencia. Del mismo modo, el levantamiento de los hombros (un error que todos cometemos) interrumpe el flujo de energía en los dedos creando estrés. Esto se aplica a ambos brazos.

En cuanto al poder - y los violoncelistas necesitan mucho - uno puede tener suerte o uno debe entrenar para la resistencia. Producir sonido a partir de la fuerza es incorrecto. Debes ser fuerte, pero usar el peso corporal y la gravedad. Además, tendríamos que desarrollar más músculos que los necesarios para tener fuerza de reserva, ya que deberíamos ser capaces de tocar tres conciertos en la sala de práctica con el fin de realizar uno. De la misma manera, tengo que dominar pasajes que son más difíciles que las obras que toco en escena. Así, vuelvo a los estudios para hacer el Concierto Dvořák más fácil. Usted tiene que ser más apto de lo requerido y usted tiene que tener más habilidad de la necesaria.

Desarrollar los ingredientes artísticos y controlar las emociones son difíciles. Tenemos interpretes que están bien educados pero carecen de imaginación. La musicalidad es, por supuesto, tan importante para prepararse como el aspecto de la mecanica. En general, encuentro que la información artística sobre compositores tiene que ver con la práctica interpretativa. ¿Cómo sonaban las sonatas de violín de Beethoven? Hay mucha información disponible y creo que es importante encontrar esa información, pero se necesita tiempo y energía.

Emocionalmente, sin embargo, creo que el violonchelista tiene que tratar de desarrollar colores y atmósferas con la presión y la velocidad del arco, el vibrato y el cambio de posición expresivo, y encontrar un repertorio de posibilidades que se llaman personales, pero están conectados al instrumento. Con el fin de enriquecer la paleta de la experiencia humana a mi disposición, voy al teatro, a las exposiciones, a la ópera y al ballet, así como a la cultura no musical. Leo. Aprendo lo más posible acerca de la psicología, por ejemplo, para nutrirme a mí mismo como persona y llegar a ser más experto. György Ligeti habla de encontrar inspiración de los científicos; Su investigación lo hace capaz de ser creativo como compositor. Me parece que escuchar discos no es suficiente para que puedas convertirte en un artista interesante. Es fascinante, sí, y no se debe perder. Pero involucre su mente más ampliamente. Haga preguntas que le harán una persona más rica.

Como resultado final, adapto mi capacidad de aplicar los estudios que practiqué al Concierto Elgar. En la actuación repito mis ejercicios de relajación y sutileza. Reúno los elementos de vibrato y control de arco con los de expresión y, espero, aplicarlos en Elgar. Estas son las reglas que yo sigo: ¡Toque escalas hasta el final de tu vida! Practique despacio. No toque fuerte y rápido. Controle su cuerpo. Piense como un cantante y sienta la respiración desde tu estómago. Y finalmente, sea paciente y no se dé por vencido.